Consejos de un pintor para fotógrafos por Meghan B

¿Alguna vez se preguntó si la hierba es realmente más verde en el otro lado? Vinny Le Pes, un artista artístico y el presentador de la serie de Youtube Crossovers creativos, tiene algunas ideas para compartir sobre el tema. Como él explica, el mundo de la pintura y el mundo de la fotografía tienen un conjunto diferente de desafíos que superar y un conjunto diferente de técnicas que dominar. Sin embargo, cada disciplina tiene algo que ofrecer a la otra:

Lo crea o no, pensar más como un pintor puede ser beneficioso para perfeccionar sus habilidades como fotógrafo. A continuación, presentamos algunos consejos y trucos del mundo de la pintura, reinventados para ayudar a los fotógrafos de todo tipo.

Hacer estudios

Los pintores no se sumergen ciegamente en una pieza grande y complicada. En cambio, crean bocetos sueltos para probar la composición, probar colores y practicar diferentes técnicas. Esto tiene mucho sentido. Después de todo, ¿por qué pasar semanas en una pieza y descubrir por las malas que algo no es perfecto?

Algunos fotógrafos crean imágenes de bocetos y experimentan, por supuesto. Sin embargo, los fotógrafos rara vez desglosan los elementos de una pieza complicada que les gustaría realizar y se enfocan en facetas más pequeñas como el color y la iluminación. Hacerlo proporcionaría una práctica específica que luego podría aplicarse hacia un objetivo concreto.

Construir composiciones

Existe una clara diferencia en la forma en que los pintores abordan la composición en comparación con los fotógrafos. Los pintores comienzan intrínsecamente con un lienzo en blanco. Esto significa que tienen que construir sus propias composiciones, a partir de su imaginación. La fotografía, por otro lado, a menudo implica hacer ajustes a una composición que ya está presente. La mayoría de las veces, los pintores suman y los fotógrafos restan.

Dicho esto, los fotógrafos no suelen tener el lujo de un lienzo en blanco a menos que trabajen exclusivamente en el estudio. Sin embargo, como fotógrafos, es posible conocer mejor las composiciones y moverse en consecuencia para agregar importancia a los elementos que ya están presentes dentro del marco.

Centrarse en la anatomía y la forma

Los pintores se enfrentan al desafío de construir sus sujetos desde cero. Para convertirse en un maestro del medio, es imprescindible estudiar cuidadosamente la forma y el flujo de su entorno.

Los fotógrafos a menudo no se toman el mismo tiempo para comprender la forma en que cae la luz o la forma en que se mueve el cuerpo solo porque no tienen que construir sus imágenes de abajo hacia arriba. Sin embargo, tomarse el tiempo para comprender esos conceptos puede mejorar significativamente el producto final de un fotógrafo.

Cruce de pintura y fotografía

Mezclar paletas de colores

Desempolva la vieja rueda de colores; es más útil de lo que creen la mayoría de los fotógrafos. Casi siempre, las pinturas exitosas presentan una paleta armoniosa llena de elementos complementarios y contrastantes cuidadosamente seleccionados. Esto se debe a que el color, cuando se usa correctamente, puede transmitir instantáneamente un estado de ánimo, un sentimiento o un pensamiento. Al tomar fotografías, es importante considerar cómo los diferentes tonos y matices presentes en la composición pueden afectar a los espectadores.

Además, demasiados fotógrafos descuidan el equilibrio de color adecuado durante el posprocesamiento. Ser capaz de reconocer que un tono de piel está mal o que una impresión tiene un ligero matiz de color puede parecer intrascendente por sí solo, pero en última instancia agrega un elemento de profesionalismo a un conjunto de fotografías.

Combina tonos cálidos y tonos fríos

Claro, los reflejos no son inherentemente cálidos y las sombras no son inherentemente frías. Sin embargo, los pintores de antaño a menudo confiaban en la luz natural, lo que resultaba en un tono frío del cielo azul que contrastaba con la luz cálida y directa del sol. Aunque pueda parecer que, en teoría, las temperaturas tonales mixtas chocarían, en realidad se complementan bastante bien en la práctica.

Los reflejos cálidos y las sombras frías se ven tan bien en fotografías como en pinturas. No tenga miedo de mezclar las temperaturas de color o hacer ajustes para resaltar los colores existentes y ejemplificar los contrastes.

Trabajar en capas

La paciencia es una virtud, y el viejo dicho suena especialmente cierto para los pintores. Para crear una pieza con profundidad y detalle, es necesario aplicar capas de pintura constantemente y esperar a que se seque. Pintar es un proceso. Ningún pintor que se precie espera que su trabajo se termine de la noche a la mañana. En el otro extremo del espectro, un fotógrafo puede producir algo con su cámara en una fracción de segundo.

La mayoría de los fotógrafos probablemente se beneficiarían de dedicar tiempo a sus fotografías individuales como si fueran pinturas. Tómese unos minutos para ajustar sus modelos o fondos. Dedica algo de tiempo a la postproducción. No se apoye en los ajustes preestablecidos. Cuando un fotógrafo adopta la mentalidad de un pintor, cada fotografía se convierte en algo precioso.



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