Cómo expresar la emoción de un retrato con luz por Meghan B

«Lo peor que puede conseguir un artista es la indiferencia», afirma un fotógrafo veterano. Jay P Morgan. La mayoría de los fotógrafos comparten este sentimiento. Idealmente, desea que sus imágenes evoquen algún tipo de emoción o idea. Pero no es inmediatamente obvio cómo para ir creando lo intangible en una sola fotografía fija.

Es posible que no se sorprenda al saber que la luz es una de las herramientas más críticas para preparar el escenario para lo que le gustaría comunicar. Se puede utilizar de diversas formas para apoyar y fortalecer un tema (o contradecirlo directamente):

Cuando esté considerando qué tipo de iluminación debe usar para iluminar su imagen, tenga en cuenta los siguientes elementos.

Razones y contraste

La relación de iluminación de una imagen se refiere a la diferencia entre el punto más oscuro y el punto más claro de la imagen. La relación de iluminación impacta directamente en el contraste general de la toma. Si no está familiarizado con el concepto, consulte este artículo sobre las proporciones de iluminación que explica los entresijos del tema.

El contraste de una imagen juega un papel muy importante en la creación de un estado de ánimo. Las imágenes más claras y planas se parecen más al mundo tal como lo vemos a través del ojo humano. Por esta razón, son naturalmente un poco más amigables y acogedores. La oscuridad, por otro lado, nos incomoda un poco. Hay una razón por la que la gente a menudo le teme a la oscuridad. Literal y metafóricamente, confina a los sujetos y crea un aura de incertidumbre.

contraste de imagen comparado

En el ejemplo anterior, es fácil ver las diferencias entre las dos imágenes a pesar de que cada una presenta exactamente el mismo modelo luciendo exactamente la misma expresión.

Calidad de la luz

La calidad de la luz se refiere al grado de transición entre luces y sombras. Esto difiere de una relación de iluminación, ya que se refiere a la gradación entre los puntos más claros y más oscuros en lugar de la diferencia de parada numérica.

Como puede ver en la imagen de la izquierda (abajo), una fuente de luz dura, como una luz estroboscópica de bombilla desnuda o la luz solar directa, apenas crea una transición entre los puntos más oscuros y más claros de una imagen. Esto crea un efecto estilizado y temperamental. A veces, la luz intensa puede ser poco favorecedora, pero en otros casos puede ser beneficiosa y añadir dramatismo a una imagen normal.

calidad de la luz comparada

La luz difusa o rebotada crea algo completamente diferente. La transición entre los puntos más oscuros y más claros de una imagen es más sutil, creando una fotografía mucho más abierta.

Color

Los artistas de todos los medios utilizan el color para transmitir conceptos y sentimientos. Los fotógrafos no son una excepción.

Utilice el color a su favor mientras construye su escena. Muchas veces, agregar color puede significar cambiar los ajustes de balance de blancos en su cámara o pegar un gel sobre una fuente de luz. También es muy posible manipular el color en profundidad en el posprocesamiento.

tonalidades de color comparadas

Como era de esperar, los colores fríos pueden hacer que los sujetos parezcan distantes o inquietantes. Los colores cálidos, por otro lado, a menudo se perciben como acogedores o reconfortantes. Al elegir los colores adecuados para tu sesión, también vale la pena considerar el simbolismo detrás de los colores (por ejemplo, el rojo para la pasión, el verde para la envidia, etc.).

Dirección de la luz

Puede que no parezca mucho, pero incluso la dirección de la luz puede tener un gran impacto en la apariencia de una fotografía.

Piénselo de esta manera: la mayoría de las veces, estamos iluminados desde arriba. El sol se cierne sobre nuestras cabezas y casi todos los edificios están equipados con algún tipo de iluminación cenital. Por lo tanto, la iluminación del techo ligeramente inclinada se siente bien y nos hace más cómodos.

direcciones de luz comparadas

Sin embargo, cada vez que comienza a desviarse de la norma, su resultado se vuelve más surrealista y, a veces, más inquietante. Cuanto más extremo, más parece desafiar las leyes de la naturaleza. Por esta razón, los sujetos «malvados» o aterradores se ven con frecuencia en el set iluminados desde abajo para crear sombras grandes y ominosas que oscurecen el rostro.

Cuando todos esos elementos se unen, puede crear una experiencia emocional, independientemente de lo que se esté fotografiando. Trabajando pieza por pieza, creas un mensaje visual. Por lo general, querrá mantener la coherencia y elegir efectos que se complementen entre sí. Sin embargo, las reglas se pueden romper para enfatizar un punto. De cualquier manera, saber qué aporta cada pieza a la composición conduce a decisiones sólidas y a un producto final más reflexivo en general.

«La realidad es que, cuando tomas todos estos principios diferentes y los combinas, tienes miles de opciones, lo que te da la capacidad de crear cosas que nadie más ha visto nunca».

¿Quieres leer más sobre tutoriales para principiantes? A continuación, tienes una selección de los artículos que hemos publicado en relación a ello:

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